Maestri della fotografia Ferdinando Scianna Maestro del colore e della geometria astratta nella fotografia Social media e contatti © copyright Ferdinando Scianna Biografia Ferdinando Scianna: un maestro della fotografia italiana Ferdinando Scianna, nato a Bagheria, Sicilia, nel 1943, è un rinomato fotografo e fotoreporter italiano, considerato uno dei maestri della fotografia contemporanea. La sua carriera, iniziata negli anni ’60, si intreccia indissolubilmente con la storia dell’agenzia fotografica Magnum Photos, di cui diviene membro nel 1982 come primo italiano. Sin dagli esordi, Scianna si distingue per la sua profonda attenzione alla sua terra natale, la Sicilia. Le sue immagini, cariche di poesia e realismo, raccontano la cultura, le tradizioni e la vita quotidiana dell’isola, immortalando volti, paesaggi e atmosfere con una sensibilità unica. Tra i suoi lavori più celebri figura il libro “Feste Religiose in Sicilia” (1966), con la prefazione di Leonardo Sciascia, che cattura l’essenza del sacro e del profano intrecciati nelle manifestazioni religiose siciliane. La sua carriera lo porta a collaborare con importanti testate giornalistiche come L’Europeo e Le Monde, documentando eventi di portata storica e sociale in giro per il mondo. Ritrattista eccezionale, Scianna ha immortalato personalità illustri come Leonardo Sciascia, Jorge Luis Borges, e Francis Ford Coppola, creando immagini iconiche che trascendono il semplice ritratto. Oltre alla fotografia, Scianna si dedica anche alla scrittura, pubblicando romanzi, saggi e racconti. La sua opera letteraria, permeata dalla stessa sensibilità visiva, offre un ulteriore sguardo sul suo mondo e sulla sua visione della realtà. Ferdinando Scianna continua ad essere un punto di riferimento fondamentale per la fotografia contemporanea. Le sue opere sono esposte in prestigiose gallerie e musei internazionali, e la sua influenza si riverbera sulle nuove generazioni di fotografi. Con la sua maestria tecnica, la sua profonda umanità e la sua inesauribile curiosità, Scianna ha contribuito a definire il panorama fotografico del secondo Novecento, lasciando un’eredità inestimabile nel mondo dell’arte visiva. Stile fotografico © copyright Ferdinando Scianna Lo stile fotografico di Ferdinando Scianna si distingue per una sapiente combinazione di elementi tecnici e narrativi che lo rendono unico e riconoscibile. Luce e ombre: un tratto distintivo del suo lavoro è l’uso sapiente della luce e delle ombre. Scianna predilige la luce naturale, spesso mediterranea e intensa, che scolpisce le sue immagini creando contrasti netti e giochi di chiaroscuro. Le ombre, elemento fondamentale, non sono mai semplicemente oscurità, ma rivelano dettagli e conferiscono profondità alle sue composizioni. Bianco e nero: Scianna è un maestro del bianco e nero, che utilizza per esaltare la drammaticità e l’intensità espressiva delle sue fotografie. La scelta del bianco e nero non è casuale, ma riflette la sua ricerca di un linguaggio essenziale, privo di distrazioni cromatiche, che permette di concentrarsi sull’essenza del soggetto. Composizione e inquadratura: le composizioni di Scianna sono sempre studiate con cura, rivelando un occhio attento alla geometria e all’equilibrio degli elementi. Le sue inquadrature sono spesso simmetriche, creando un senso di ordine e armonia, oppure asimmetriche, per generare dinamismo e tensione. Narrazione e umanità: Le fotografie di Scianna non sono semplici immagini statiche, ma narrazioni visive che raccontano storie e catturano emozioni. Al centro del suo lavoro c’è l’uomo, con la sua quotidianità, le sue tradizioni e la sua cultura. Scianna ha un’innata capacità di cogliere l’essenza dei suoi soggetti, rivelando la loro umanità e la loro dignità. Influenze e riconoscimenti: lo stile di Scianna è stato influenzato da grandi maestri come Henri Cartier-Bresson, di cui condivideva l’attenzione per l’istante decisivo e la fotografia documentaria. Nel corso della sua carriera, Scianna ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio W. Eugene Smith e la Leica Oskar Barnack Award. Lo stile fotografico di Ferdinando Scianna rappresenta un connubio magistrale di tecnica e sensibilità, rendendolo uno dei fotografi più importanti e influenti del panorama contemporaneo. Le sue immagini continuano ad affascinare e ispirare, offrendo uno sguardo unico sulla realtà e sulla natura umana. Feste religiose in Sicilia © copyright Ferdinando Scianna “Feste Religiose in Sicilia”, pubblicato nel 1966, rappresenta uno dei lavori fotografici più iconici di Ferdinando Scianna. Attraverso un bianco e nero intenso e immagini cariche di emozione, Scianna ci accompagna in un viaggio immersivo nelle celebrazioni religiose siciliane. Le sue fotografie non si limitano a documentare eventi e riti, ma catturano l’essenza di una fede profonda e radicata, vissuta con partecipazione e trasporto dal popolo siciliano. Volti segnati dalla devozione, processioni solenni, costumi tradizionali e atmosfere mistiche si intrecciano, creando una narrazione visiva potente e commovente. Scianna coglie la sacralità non solo nei momenti solenni, ma anche nei gesti quotidiani e nei dettagli apparentemente insignificanti. Le sue immagini rivelano la complessità e la contraddizione della fede siciliana, dove sacro e profano si mescolano in un’unica e affascinante realtà. “Feste Religiose in Sicilia” non è solo un libro fotografico, ma un’opera d’arte che trascende i confini del reportage. Le immagini di Scianna ci invitano a riflettere sul senso di appartenenza, sulla tradizione e sul potere evocativo della fede, rendendo quest’opera un capolavoro imprescindibile della fotografia italiana. Libri   Ferdinando Scianna ha pubblicato numerose monografie nel corso della sua prolifica carriera. Tra le più importanti ricordiamo: Anni ’60 e ’70: Feste Religiose in Sicilia (1966): Un’opera iconica che cattura l’essenza delle celebrazioni religiose siciliane. Sicilia (1978): Un ritratto intimo e poetico della sua terra natale. Anni ’80 e ’90: Viaggio in Italia (1984): Un viaggio fotografico attraverso la bellezza e la diversità dell’Italia. Le Siciliane (1989): Un omaggio alle donne siciliane, raccontate con sensibilità e rispetto. Anni 2000 e 2010: Morandi (2005): Una monografia dedicata al grande pittore italiano Giorgio Morandi. Ferdinando Scianna (2008): Un’ampia retrospettiva della sua carriera fotografica. La Sicilia di Scaglione (2010): Un dialogo fotografico con le opere di Franco Scaglione. Anni 2020: Incontri con fotografi illustri (2023): Una raccolta di ritratti di fotografi iconici. Istanti di luoghi (2023): Un’antologia di fotografie di paesaggi mozzafiato. Oltre a queste monografie, Scianna ha pubblicato numerosi altri libri fotografici, raccolte di saggi e racconti. Premi e Riconoscimenti di Ferdinando Scianna Premi fotografici: Premio Nadar (1966): Per il suo libro “Feste Religiose

Maestri della fotografia Diane Arbus Attratta della diversità e bizzarria Social media e contatti “Credo davvero che ci sono cose che nessuno vedrebbe se non le fotografo.” – Diane Arbus Previous slide Next slide © Copyright Diane Arbus Biografia Diane Arbus: fotografare l’anima umana Diane Arbus (1923-1971) è stata una fotografa americana famosa per i suoi ritratti intensi e spesso inquietanti di persone ai margini della società. Le sue immagini, che catturano la vulnerabilità, la stranezza e la bellezza della natura umana, hanno avuto un impatto profondo sul mondo della fotografia e continuano ad affascinare e disturbare gli osservatori ancora oggi. Biografia: Un’infanzia Agiata e l’Incontro con la Fotografia Nata a New York da una famiglia benestante, Diane Nemerov, come si chiamava da ragazza, vive un’infanzia agiata e privilegiata. Fin da giovane mostra un interesse per l’arte, in particolare per la pittura e il disegno. All’età di 18 anni sposa Allan Arbus, da cui prende il cognome, e inizia ad avvicinarsi al mondo della fotografia. Nel 1955, un incontro casuale con il fotografo Lisette Model rappresenta una svolta fondamentale nella sua carriera. Model la incoraggia a sviluppare il suo stile unico e a esplorare temi che la appassionano, spingendola oltre la fotografia di moda e di ritratto tradizionale. Diane Arbus è stata una fotografa rivoluzionaria che ha infranto le convenzioni del suo tempo e ha portato la fotografia a confrontarsi con tematiche sociali e psicologiche complesse. Le sue immagini, spesso disturbanti ma sempre affascinanti, continuano ad ispirare e a provocare dibattiti nel mondo della fotografia e dell’arte. Oltre alle informazioni sopracitate, ecco alcuni altri aspetti interessanti della vita e dell’opera di Diane Arbus: Arbus soffriva di depressione e schizofrenia, e queste condizioni hanno influenzato il suo lavoro e la sua visione del mondo. Era una perfezionista instancabile, e spesso lavorava meticolosamente alle sue stampe per ottenere il risultato desiderato. Le sue fotografie sono state oggetto di numerose mostre retrospettive dopo la sua morte, e sono oggi esposte in collezioni di importanti musei in tutto il mondo. Diane Arbus è considerata una figura fondamentale nella storia della fotografia e un’artista che ha contribuito ad ampliare i confini del mezzo fotografico. Stile fotografico © Copyright Diane Arbus Lo stile di Diane Arbus è caratterizzato da una profonda introspezione e da un’intima vicinanza ai suoi soggetti. Le sue fotografie, spesso scattate con una lente grandangolare e in bianco e nero, ritraggono persone comuni, spesso emarginate o con disabilità fisiche o mentali, con un’intensità e una crudezza che all’epoca erano considerate scioccanti. Arbus era affascinata dalla stranezza e dalla diversità, e le sue fotografie esplorano i confini della normalità e della bellezza. Catturava l’essenza dei suoi soggetti, le loro emozioni più profonde e le loro vulnerabilità, creando immagini che sfidano lo spettatore e lo invitano a confrontarsi con la complessità della natura umana. Collaborazioni con le riviste © Copyright Diane Arbus La carriera di Arbus iniziò nel mondo della moda e della pubblicità. Insieme al marito Allan Arbus, aprì uno studio fotografico specializzato in immagini commerciali per riviste come Seventeen e Glamour. Questo lavoro le fornì le basi tecniche e la familiarità con il mondo dell’editoria, ma non le offriva la libertà creativa che desiderava. Collaborazioni con Vogue Nel corso degli anni ’50 e ’60, Arbus collaborò saltuariamente con Vogue, realizzando alcuni servizi fotografici per la rivista. Tra i più noti ricordiamo quello sui maglioni del 1956 e quello sui bambini del 1965. Le sue immagini per Vogue si distinguevano per la loro originalità e il loro tocco non convenzionale. Arbus catturava la personalità e l’autenticità dei soggetti, spesso in contrasto con l’estetica glamour e idealizzata tipica della rivista. Un rapporto di amore e odio Nonostante le collaborazioni, Arbus aveva un rapporto ambivalente con Vogue. Da un lato, apprezzava la visibilità e il prestigio che la rivista le offriva. Dall’altro, si sentiva limitata dalle sue aspettative e dal suo stile patinato. Le sue fotografie per Vogue spesso suscitavano perplessità e critiche da parte dei redattori e del pubblico. La sua visione cruda e realistica contrastava con l’immagine idealizzata di bellezza e perfezione che la rivista voleva proiettare. Oltre Vogue: Altri lavori editoriali Oltre a Vogue, Arbus collaborò con altre riviste come Harper’s Bazaar, Esquire e Newsweek. Anche in queste testate, il suo stile unico e la sua capacità di catturare l’essenza dei soggetti erano apprezzati da alcuni, ma non da tutti. Arbus trovò maggiore libertà espressiva nei suoi progetti personali, dove poteva esplorare temi a lei cari come la marginalità, la diversità e la condizione umana. Un’influenza duratura Nonostante le sue critiche al mondo delle riviste patinate, il lavoro di Arbus per Vogue e altre testate ha avuto un’influenza duratura sulla fotografia di moda. La sua capacità di catturare l’autenticità e la complessità dei soggetti ha ispirato generazioni di fotografi a sfidare le convenzioni e a raccontare storie attraverso le immagini.   Opere significative © Copyright Diane Arbus “Identical Twins, Roselle, New Jersey, 1967” di Diane Arbus è una fotografia che ha raggiunto lo status di icona, suscitando interrogativi e discussioni sin dalla sua esposizione. Vediamo due gemelle identiche, presumibilmente di sette anni, in piedi una accanto all’altra, vestite con abiti coordinati in un verde che vira quasi al nero nella stampa in bianco e nero. Le loro posture sono simili, i capelli scuri raccolti con cerchietti bianchi. Tuttavia, a ben guardare, emergono sottili differenze. La gemella di sinistra sembra sorridere leggermente, mentre quella di destra ha un’espressione più seria, quasi imbronciata. Le loro mani sono disposte in modo speculare, ma non perfettamente identiche. È proprio in queste sottili discrepanze che risiede la forza dell’immagine. Arbus e la ricerca dell’Umano dietro la Maschera: Arbus era nota per i suoi ritratti intensi e spesso inquietanti che catturavano l’essenza dei soggetti, al di là delle apparenze. In “Identical Twins”, sembra chiederci: cosa significa essere identici? Le gemelle condividono il DNA, l’aspetto fisico, ma hanno iniziato a sviluppare personalità distinte? L’immagine ci spinge a riflettere sull’individualità che emerge nonostante la somiglianza genetica. L’inquadratura frontale e ravvicinata